Ránking: los mejores dúos del rock argentino.

Existen solistas y hasta grupos numerosos como los Auténticos Decadentes. En el medio hay cuartetos, tríos, quizás más frecuentes en la escena de la música rock. Pero no es tan común encontrar dúos de rock o pop en el ambiente, es por eso que esta entrada está dedicada a ellos. Vamos a homenajearlos teniendo en cuenta su influencia e importancia en la historia del rock de acá. Como dijo Mario Benedetti, algunos son “mucho más que dos”.

Bonus track: Sabina/Páez, un dúo mitad argentino, mitad español.

Puesto 12: AZNAR/LEBÓN.

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En el año 2007, dos ex integrantes de Serú Girán, Pedro Aznar y David Lebón se unieron para darle vida a este proyecto musical. Se presentaron en el ND Ateneo, y dichos conciertos fueron registrados en dos discos titulados simplemente Aznar/Lebón. Incluyeron temas inéditos, algunos de sus carreras solistas y además clásicos de Serú Girán para complacer a los nostálgicos. Canción: San Francisco y el lobo.

Puesto 11: DÚO FANTASÍA.

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Gabriel Maccioco y Luis Viola formaban este dúo de folk y soft rock que apadrinado por León Gieco hizo su aparición hacia fines de los 70 y principios de los 80. Editaron dos discos: “Cuando mañana” (1981) y “El futuro es nuestro” (1983) y participaron de distintos festivales de ese entonces, como Parquerama, el B. A. Rock, La Falda Rock y el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. Canción: Corrientes esquina tango.

Puesto 10: VIVENCIA.

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Los dúos folk eran una moneda corriente en la década de 1970, y es en ese período en que se destacó Vivencia. Este conjunto estaba formado por Eduardo Fazio y Héctor Ayala (hijo). Su debut fue en el año 1972 con el disco conceptual “Vida y vida de Sebastián”, luego llegó el exitoso “Mi cuarto”. El dúo se separó en 1983 y volvieron en 2005 con la presentación de un disco en vivo. Canción: Mi cuarto.

Puesto 9: BAGLIETTO-VITALE.

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Así como existen las súper bandas, formadas por artistas que ya de por sí solos tienen renombre y reconocimiento, podríamos inaugurar el concepto de súper dúo. Juan Carlos Baglietto, emblema del rock de los 80 y figura de la llamada “trova rosarina”, y Lito Vitale, músico, compositor y arreglador muy respetado, se cruzaron por primera vez en el año 1991. Editaron en aquel año “Postales de este lado del mundo”, que incluía clásicos de la música popular como “Piedra y camino”, “Nada”, “Tonada del viejo amor” y “Milonga sentimental”. Luego llegaron giras por todo el país, incluso un show en el festival de música folclórica de Cosquín, y la edición de “Postales del alma” (1999),  “No olvides” (2000), “Qué más hacer en esta tierra incendiada sino cantar” (2001), “La despedida” (2003), y el CD+DVD en vivo “Más de lo mismo” (2011). Canción: Príncipe del manicomio.

Puesto 8: PASTORAL.

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Alejandro De Michele y Miguel Ángel Erausquin eran dos jóvenes músicos que en los 70s formaron el dúo acústico Pastoral. Debido a que su éxito ocurrió poco tiempo después de la separación de Sui Generis y a cierta similitud de estilos y letras, la crítica los catalogó como los sucesores de García y Mestre. Su mayor suceso discográfico fue “En el hospicio” de 1975, producido por Litto Nebbia. La tragedia llegó el día 20 de mayo de 1983 cuando De Michele, de solo 28 años, perdió su vida en un accidente automovilístico. Eso significó el final de una de las bandas folk más significativas de la década del 70 y el comienzo de una década de trágicos decesos en el rock nacional. Canción: En el hospicio.

Puesto 7: SANDRA Y CELESTE.

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Esta dupla estaba conformada por dos primeras damas del rock argentino: Sandra Mihanovich y Celeste Carballo. Mar del Plata fue testigo de la primera presentación del dúo en el año 1987. Continuarían juntas hasta 1991, editaron dos discos “Somos mucho más que dos” (1988) y “Mujer contra mujer” (1990). Pero la dupla no sólo impactó a nivel musical: en un programa de televisión de aquel entonces Celeste declara su homosexualidad y su relación con Sandra. Esta valiente manifestación dio de lleno en el machista ambiente del espectáculo y las convirtió a ambas en emblemas de la comunidad gay en Argentina. Canción: Mujer contra mujer.

Puesto 6: CERATI-MELERO.

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“Colores santos” fue el único disco que grabaron en conjunto Gustavo Cerati (Soda Stereo) y Daniel Melero (productor y músico, ex Los Encargados), y se convirtió inmediatamente en un indispensable para los amantes del rock/pop electrónico. En medio de la histeria producida por Soda Stereo en toda Latinoamérica, Cerati se tomó un recreo para grabar este proyecto junto a su amigo y socio musical Daniel Melero. Todas canciones originales de la dupla conforman este álbum que se destacó por su originalidad y sonido, y que influyó a futuro en el sonido de Soda. Canción: Vuelta por el universo.

Puesto 5: PEDRO Y PABLO.

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El rock de protesta tiene a una figura importante en esta lista: Pedro y Pablo, formado por Miguel Cantilo y Jorge Durietz. Son creaciones de esta dupla algunos de los discos más relevantes de la historia del rock argentino: “Conesa” (1972) y “Yo vivo en esta ciudad” (1970), y canciones exitosas como “Marcha de la bronca”, “Catalina Bahía” y “¿Dónde va la gente cuando llueve?”. La banda sufrió la censura del gobierno militar de entonces debido a la crítica social de sus canciones. Miguel Cantilo se exilió en España y regresó al país en 1982, fue entonces que volvió a los escenarios una de las bandas más comprometidas con la realidad social. Canción: Marcha de la bronca.

Puesto 4: SPINETTA-PÁEZ.

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Para el año 1986, Luis Alberto Spinetta ya era toda una leyenda viviente del rock en castellano y decidió darle forma a un proyecto musical junto al artista joven del momento: Fito Páez. El resultado fue el álbum titulado “La, la, la”, que rápidamente se convirtió en un clásico. Las canciones de este trabajo discográfico fueron compuestas por separado por ambos artistas, con excepción de “Hay otra canción” que fue compuesta en conjunto y el tango “Gricel” de Mariano Mores y José María Contursi. “La, la, la” se apropió de todos los elogios de la crítica especializada y del público, además de ser un hito en la historia rockera debido a la magnitud de los artistas que se unían en ese proyecto. Para Fito significó sin dudas la bendición de un prócer del rock argentino. Y Páez no lo iba a defraudar ni al Flaco ni a nosotros. Canción: Folis Verghet.

Puesto 3: CHARLY GARCÍA Y PEDRO AZNAR.

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Dos ex Serú Girán se unieron en este proyecto y sacaron tres discos en conjunto. El primero fue “Tango” del año 1986, cuyo éxito fue inmediato. Contenía sólo seis temas y fue producido por Joe Blaney. Debido a que sus carreras solistas le devoraban el tiempo no hubo nuevo material de la dupla recién hasta 1991. Es en ese año que editan “Radio Pinti” (junto al cómico Enrique Pinti) y “Tango 4”. En “Tango 4” cuentan con la participación de Gustavo Cerati en el track “Vampiro”, Sandro en “Break it all” de Los Shakers, y los actores Jorge Luz y Alfredo Alcón. Este dúo dejó clásicos del rock argentino como “Hablando a tu corazón” y “Tu amor”. Canciión: Hablando a tu corazón.

Puesto 2: ILLYA KURYAKI AND THE VALDERRAMAS.

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En el puesto anterior nos referíamos al apoyo de Luis Alberto Spinetta a las nuevas generaciones al asociarse con Fito para el disco “La, la, la”, en este puesto nos referimos al dúo formado por uno de sus hijos, Illya Kuryaki and the Valderramas. IKV está formado por Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur y se ha convertido en el grupo funk por excelencia del país. Comenzaron desde muy jóvenes y el éxito masivo llegó con “Chaco” (1995), más tarde llegaron el unplugged para la MTV, “Versus”, “Leche” y “Kuryakistán”. En 2001, decidieron la disolución de la banda para dedicarse a sus carreras solistas. Cuando decidieron el regreso, en 2011, habían pasado diez años y se había incrementado el mito de aquella banda de jóvenes que se animaban con una calidad sorprendente al hip hop, al funk y al soul en épocas en las que nadie lo hacía, una banda cuyo concepto artístico se completaba con letras cómicas, provocadoras y pegadizas, la indumentaria y los videos con estética retro y kitsch. Y el retorno estuvo a la altura de ese mito, los años les habían sentado más que bien. En 2012 lanzaron “Chances”, lo que les permitió una nominación a los Grammy y la obtención de un Latin Grammy, y tocaron con Stevie Wonder el tema “Do I Do” en Vélez Sarsfield, el año pasado registraron el CD+DVD en vivo “Aplaudan en la luna”. Por todo eso y mucho más, IKV ha entrado en la historia grande de la música de Latinoamérica. Canción: Latin geisha.

Puesto 1: SUI GENERIS.

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Charly García y Nito Mestre se conocieron cuando ambos cursaban el colegio secundario en el Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno, formaron una banda junto a otros amigos que por la deserción del resto de los integrantes se convirtió en un dúo. Poco sabían los adolescentes García y Mestre que pronto trascenderían las fronteras del rock para convertirse en uno de los números musicales más convocantes de la década de 1970.  En 1972, Sui Generis editó su primer LP, “Vida”, que incluía canciones como  “Necesito”, “Canción para mi muerte”, y “Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris”. Al año siguiente llegó “Confesiones de invierno” (“Aprendizaje”, “Rasguña las piedras”, y “Bienvenidos al tren”), y en 1974 lanzaron “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones” (“Las increíbles aventuras del señor Tijeras”, “Para quién canto yo entonces”). En 1975 decidieron despedirse en una serie de conciertos que luego se registró como “Adiós Sui Generis” y que fue un éxito de convocatoria inédito para una banda de rock de entonces. Nito y Charly volvieron a tocar juntos en Chile y Uruguay en el año 1980. Aunque el regreso oficial tuvo lugar en 2000. Sui Generis editó el álbum “Sinfonías para adolescentes” y lo presentó el estadio de Boca Juniors en un recital que los mostró más vigentes que nunca y que contó con grandes invitados (Gustavo Cerati, León Gieco, Pedro Aznar, Mercedes Sosa y Fito Páez). Canción: Dime quién me lo robó.

Por Cristian G. R.  / Twitter

#Catupecu20Años. Los mejores 20 temas de Catupecu Machu.

Aviso del primer show en el estadio Obras de la banda.

Aviso del primer show en el estadio Obras de la banda.

Para continuar con los festejos de los 20 años de Catupecu Machu, hemos decidido hacer este recorrido en su discografía seleccionando los 20 mejores temas. Tarea complicada ya que se trata de una agrupación que mutó constantemente de estilo y formación. La banda de Villa Luro ha pasado por infinidad de circunstancias durante estas dos décadas. Entre los hitos podemos destacar: la rápida popularidad en el circuito under del rock argentino, la edición de “Cuentos decapitados” y la posterior grabación del DVD “Eso vive”, el cambio de timón que significó “Cuadros dentro de cuadros”, el terrible accidente de Gabriel Ruiz Díaz y la incorporación de sus reemplazantes/invitados en el bajo (entre ellos, Zeta Bosio, ex Soda Stereo), shows en formatos innovadores (cuadrafónico, con orquestas de cuerdas, acústicos) y en marcos muy disímiles (en el Monsters of Rock con Metallica y Sepultura, pero también en la Creamfields con DJs internacionales). Por todo eso y por su energía innovadora constante Catupecu Machu se ha ganado un lugar entre las bandas destacadas del rock de la Argentina. Y este es el humilde homenaje de este blog.

Nota: no han sido incluidos los covers de la discografía (entre ellos algunos geniales como Plan B: anhelo de satisfacción, Héroes anónimos, Hechizo y Seguir viviendo sin tu amor) sino solamente canciones compuestas por la banda.

Puesto 20: La polca (Dale!, 1997).

Una canción de letra inentendible era la carta de presentación de una banda cuyo nombre también era complicado (Fernando inventó el término “Catupecu Machu”, que denominaba a un animal ficticio, cuando iba al colegio y se aburría en clase). Era 1997 y los Catupecu irrumpían en la escena under porteña con esta canción hardcore que incluía nada menos que un ¡acordéon!, ejecutado por Javier Herrlein, luego baterista de la banda. Junto con “Dale!” y “Calavera deforme”, “La polca” significaba el punto culminante del descontrol en los shows de la banda.

Puesto 19: Metrópolis nueva (El mezcal y la cobra, 2011).

Una diferencia de estilos musicales bastante amplia existe entre “La polca”, puesto 20, y “Metrópolis nueva”. Muchos años pasaron entre uno y otro, y bajo el puente de Catupecu corrió mucha agua. Catupecu es una banda que agita las aguas, que cambia de estilo entre disco y disco, que renuncia a fórmulas probadamente exitosas, y eso desconcertó a más de un fan, pero cuando uno escucha los discos entiende que no se trata sólo de evolución, sino de búsqueda constante de nuevos universos. Fernando Ruiz Díaz definió “El mezcal y la cobra” como un disco “muy Tron” (película de ciencia ficción de Steven Lisberger), y no se equivocó: el sonido evoca a otros universos, y ése es el resultado de la persistente exploración de la banda.

Puesto 18: El número imperfecto (El número imperfecto, 2004).

El álbum “El número imperfecto”, aclamado por los fans y la crítica especializada, resume en buena medida lo que significa Catupecu. Tiene la fuerza rockera de “Cuentos decapitados” y algo del sonido electrónico de “Cuadros dentro de cuadros”. El agregado son las melodías vocales que corren de la mano con los arreglos. Esta balada es una muestra cabal de estas melodías limpias y pegadizas que brillan a lo largo del CD. Además la lírica introspectiva de Fernando, que tomó nuevas dimensiones luego del accidente de Gabriel, hace una de sus mejores apariciones.

Puesto 17: Gritarle al viento (Cuadros dentro de cuadros, 2002).

El tema veraniego y pegadizo de “Cuadros dentro de cuadros”, de hecho fue corte de difusión durante el verano 2002/2003. El video que parte de una buena idea, la banda tocando en una pequeña embarcación, derrapa con la inclusión de los jóvenes actores que se menean algo ridículamente. De todas formas, “Gritarle al viento” confirma la veta cancionera de la banda con un estribillo cuasi grito de guerra que gana el inconsciente de entrada, y es uno de los puntos más disfrutables de aquel disco experimental.

Puesto 16: Origen extremo (Cuadros dentro de cuadros, 2002).

Luego del éxito abrumador de “Cuentos decapitados” (2000), Catupecu se enfrentaba al desafío de equiparar o superar aquel suceso. La banda dio una gran muestra de personalidad y apostó a una propuesta muy diferente a la fórmula exitosa del trabajo anterior: un disco influenciado por un sonido decididamente digital. Algunos periodistas celebraron esta ocurrencia bautizando aquello como “cyber rock”. El espíritu vertiginoso propio de las composiciones de Catupecu Machu se destaca en “Origen extremo”, dejando la experimentación en plano algo complementario.

Puesto 15: Grandes esperanzas (Cuadros dentro de cuadros, 2002).

En el 2000 ya habían citado a John Steinbeck, al bautizar un tema “Viñas del amor” (por la novela ganadora del Pulitzer, “Viñas de la ira”), y ahora parafraseando a Dickens crean este tema, el track 5 de ”Cuadros dentro de cuadros”. Es un tema sin estribillo que nunca baja el ritmo urgente. Fernando canta sobre un concepto recurrente dentro del universo Catupecu: la decisión  de arriesgar y desafiar los límites. Vaya si lo sabían ellos que se estaban embarcando en su experimento musical más arriesgado con la edición de ese álbum. En una entrevista para la revista Arde Rock and Roll, Fernando señaló que la canción surgió de la frase “Voy más allá de lo que me lleva el camino”. Más claro, echale agua.

Puesto 14: Eso espero (Cuentos decapitados, 2000).

Los conciertos correspondientes al disco “Cuentos decapitados” eran arrolladores y “Eso espero” era uno de los caballitos de batalla de los Catupecu. La letra habla de la tentación, de rendirse a ella pero también de cómo sacarle provecho y así sumergirse en lo desconocido (“¿Qué hay después de estar en cero?”). Porque ¿quién dice que lo altamente peligroso no puede ser beneficioso? El coro ganchero  culmina el ritmo acelerado de la canción. Por esa época se hablaba de Catupecu como una suerte de reencarnación de Divididos debido a este sonido aplastante y algo funky, y a su desempeño en vivo.

Puesto 13: Elevador (Dale!, 1997).

Los gritos guturales y el bajo de Gaby, la performance de Abril en la batería, la letra de la canción… todo eso encarna el desequilibrio que gobernaba en aquella primera época de Catupecu. La letra experimental tiene alguna reminiscencia  de esas canciones de Divididos, justamente, que son entre graciosas, irónicas, y absurdas, y que combinan palabras que buscan la sensibilidad estética en la forma. Al juntar esos vocablos se logra una comicidad inesperada. Por ejemplo, en la combinación de un sustantivo y un adjetivo como en “capuchón magnético”.

Puesto 12: Cuadros dentro de cuadros (Cuadros dentro de cuadros, 2002).

Una balada perfecta de Catupecu. En medio de la vorágine del álbum, este pasaje representa un momento de introspección absoluta. Desde la melodía hasta la música disparada digitalmente, todo confluye para que Catupecu Machu nos regale este tema rupturista en su discografía. La poesía de Fernando Ruiz Díaz nos habla del vivir como un arte. Un cuadro dentro de otro, una obra (¿la vida, las acciones que uno realiza?) cuya interpretación (“leer, deletrear aquel mensaje entre líneas”) no puede concluir jamás porque no existe el concepto de final en la misma. El “ensayo”, “actuar” y “merodear entre tantos ojos” le da más énfasis al carácter existencialista de la canción.

Puesto 11: Hormigas (Cuadros dentro de cuadros, 2002).

El disco “Cuadros dentro de cuadros” significa un punto de inflexión en la carrera de la agrupación, incluso quizás más importante que la edición de “Cuentos decapitados”, álbum que ubicó a Catupecu definitivamente en el mapa del rock argentino. “Cuadros dentro de cuadros” siembra nuevamente el interrogante sobre el encasillamiento de Catupecu. “Hormigas” es el tema emblema, no por su popularidad sino porque sintetiza la experimentación de aquel trabajo discográfico. Es que  el arte se trata de inquietar, de interpelar al receptor de las obras. El trabajo en la percusión de Javier Herrlein toma aquí un rol protagónico.

Zeta Bosio fue bajista durante un tiempo bajista de la banda.

Zeta Bosio fue bajista durante un tiempo bajista de la banda.

Diego Arnedo apoyando a la banda en el primer show luego del accidente de Gabriel

Diego Arnedo apoyando a la banda en el primer show luego del accidente de Gabriel

Puesto 10: Secretos pasadizos (Cuentos decapitados, 2000).

El tercer disco del grupo se caracterizaba por ser una maquinaria de sonidos rockeros que nunca se detenía, pero las melodías no ocupaban un segundo plano. Catupecu se convierte aquí en un power trío que puede movilizarte al pogo como al baile por igual. Secretos pasadizos es uno de sus tracks más frenéticos. En una decisión brillante la banda lo eligió como el tema apertura de los shows durante aquella época, era ideal para avasallar al público desde un comienzo y advertir de qué iba a ir el resto del espectáculo. Gaby demuestra en esta canción que no sólo era el cerebro productor y organizador de ideas sino también uno de los mejores bajistas del país.

Puesto 9: Cuentos decapitados (Cuentos decapitados, 2000).

Es sorprendente el alto nivel compositivo por el cual pasaban los Catupecu allá por el 2000. “Cuentos decapitados”, el tema que cerraba aquel disco homónimo es una prueba de ello. Un hit que invitaba más a cantar que a saltar, quizás por eso algo olvidado en los shows en vivo. Otro aspecto en el que la banda muestra un considerable progreso es en la voz de Fernando Ruiz Díaz, que se adapta con éxito a atractivas melodías como la de esta canción. El reconocimiento de la crítica especializada fue instantáneo, además “Cuentos decapitados”  se convirtió en un éxito de ventas en varios países de Latinoamérica, gracias a la difusión de los videos en MTV.

Puesto 8: Eso vive (Cuentos decapitados, 2000).

Catupecu rompe con los prejuicios y se cuela en las discos. Por el año 2001, Eso vive sonaba en cuanto boliche se jactara de ser cool. Fue el primero de los cuestionamientos de algunos de sus fans extremistas que preferirían que la banda siguiera el camino del hardcore del primer CD. Con un riff más que pegadizo y una sugerente percusión a cargo de Abril Sosa, el grupo de Villa Luro traspasó barreras ideológicas y musicales, y llegó a su pico más alto de popularidad hasta ese momento. La letra es una crónica de una típica escena de desenfreno en aquellas noches porteñas de principios de siglo. Porque las canciones de Catupecu se cantan, se gritan y también se bailan con un trago en la mano.

Puesto 7: A veces vuelvo (El número imperfecto, 2004).

Quizás la canción más difundida de la banda. La melodía de los versos va construyendo el clima de la canción, que explota en un estribillo perfectamente construido para el delirio de las multitudes. Catupecu demuestra que su capacidad compositiva también les permite crear rocanroles de estadio. Si hacía falta una nueva prueba de la penetración cultural del conjunto, este tema despeja toda duda. “A veces vuelvo” fue programado por medios especializados en el rock y la cultura juvenil pero también por musicalizadores de TV, y de radios que quizás nunca antes habían difundido la música de Catupecu Machu. Otra frontera cultural derribada por el rock.

Puesto 6: Magia veneno (El número imperfecto, 2004).

En “Magia veneno”, tema de apertura de “El número imperfecto” y primer corte de difusión, Fernando Ruiz Díaz ejecuta uno de los riffs más coreados del rock argentino. Cabe destacar el trabajo de Gabriel en el bajo, en el que sería el último disco en el que tuviera participación antes del trágico accidente. Cabe destacar que el menor de los Ruiz Díaz también se encargaba de gran parte de la producción artística, y su falta se hace algo notable en las posteriores  grabaciones de la banda. En este álbum, se integra Macabre como parte de la banda de manera oficial en el rol de tecladista. El poderío sonoro de la banda se mantenía intacto y se combinaba con la inagotable capacidad de crear melodías amigables, como puede apreciarse en este hit catupequero que sonó en todos lados. Si hasta Adrián Barilari grabó su propia versión.

Puesto 5: Entero o a pedazos (Cuentos decapitados, 2000).

Una canción en la que la batería está ausente y brillan las guitarras. La falta de la percusión no le quita nada de contundencia a esta obra maestra. En el primer hit emotivo de los Catupecu, los coros de Abril Sosa impregnan una belleza armónica, y la carga de sensibilidad que contrasta con la fuerza de Fernando. “Fui semilla alguna vez, enterrada viva, y puedo ser la pura savia y florecerlo” dice la voz de Fernando en una de las frases más hermosas de su discografía. Una oda a la superación personal pero no desde una perspectiva de autoayuda barata, sino más bien una invitación a comerse el mundo, a no esperar del permiso de ninguna “cuenta regresiva” para “despegar”. Para el compilado “40 años de rock nacional”, Isabel de Sebastián y Ulises Butrón versionaron esta canción (Catupecu había grabado unos años antes “Héroes anónimos” de Metrópoli, la banda que ambos tenían en los 80)

Puesto 4: Perfectos cromosomas (Cuentos decapitados, 2000).

La química entre los tres integrantes de la banda (por entonces eran Fernando y Gabriel Ruiz Díaz, y Abril Sosa) adquiere un nivel superlativo en esta canción. La bola sonora que arrolla con los escuchas se hace más que evidente en “Perfectos cromosomas”. El poderío musical tenía su correlato en los shows en vivo; la etapa de “Cuentos decapitados” significó la mejor en cuanto a desempeño en recitales de Catupecu, razón por la cual se ganaron el mote de power trío (que antes le había sido asignado a bandas ilustres como Pescado Rabioso y Divididos, por ejemplo). Con la frase “Somos enigmas para descifrar, perfectos cromosomas para alterar”, los Catupecu vuelven al tema recurrente de su lírica de romper todo molde artístico, ideológico y hasta ¿biológico?

Puesto 3: Viaje del miedo (Laberintos entre aristas y dialectos, 2007).

Para “Laberintos entre aristas y dialectos” los Catupecu proponen otra nueva versión de sí mismo: ofrecen un disco acústico doble, mitad en vivo y mitad grabado en estudio. Ambos discos poseen la característica fuerza e intensidad sonora a pesar del formato ausente de de instrumentos eléctricos. Fernando Ruiz Díaz despliega en “Viaje del miedo” su voz desgarrada y desgarradora que transmite fuerza intensa, todo menos la típica calma que es el lugar común de las obras acústicas. Aquello y la letra existencialista, introspectiva y hasta liberadora adquieren un mayor significado debido a las circunstancias: éste es el primer trabajo discográfico del que Gabriel Ruiz Díaz no forma parte, y tanto la banda como los fans estaban aún sensibles por ello.

Puesto 2: Dale! (Dale!, 1997).

Si presenciaste alguna vez un show de Catupecu, sabés por qué esta canción está en este puesto. Y si no es así, mirá el video con el cual ilustramos este puesto y lo descubrirás. “Dale!” es una de las canciones más pogueadas y festejadas de la historia del rock argentino, cuando suenan los primeros acordes al gente enloquece y controlarse se vuelve un imposible. Pero “Dale!” no es sólo eso, además resume todo lo que representa Catupecu Machu. El concepto Catupecu Machu se basa en la anarquía, el descontrol, la destrucción de estándares y fronteras. Catupecu crea eslóganes como “A 80 cm. del piso” o “Vení, escuchá, gritá”, pero el mensaje no muere en aquellas frases. Catupecu Machu actúa rompiendo estructuras, una prueba de ello es la gran diversidad de tribus urbanas (punks, rockers, heavy metal, fans del rock stone y también de la música electrónica) que convivieron entre sus fans. Durante un tiempo se cambió el grito de “Dale!” por “Gaby!” a modo de aliento para la recuperación del menor de los Ruiz Díaz y en el último año se incluyó “Blitzkrieg Bop” cantado por Macabre, el tecladista (como en esta ocasión junto a Eruca Sativa). “Dale!” es un grito de guerra que no carece de sentido, sino que lo representa genuinamente y lo ensalza.

Puesto 1: Y lo que quiero es que pises sin el suelo (Cuentos decapitados, 2000).

El status de “Y lo que quiero…” en el corazón de los fanáticos es casi tan alto como el de “Dale!”, pero esta canción que abría “Cuentos decapitados” trascendió las fronteras de sus seguidores. Catupecu Machu es reconocido por esta composición más allá de las fronteras del rock y del país. Fue gracias a esta canción que se hicieron famosos en lugares distantes como Puerto Rico. El riff se instaló como unos de los más significativos del rock local, y en conjunto con la impecable base de la batería de Abril y el bajo asesino de Gaby, completan un combo de rock arrollador que levanta polvareda apenas uno presiona play al disco. Quizás el comienzo más poderoso de un disco en el nuestro ámbito rockero.  El video de Gianfranco Quattrini también fue arrasador: se consagró en toda entrega de premios de distintos medios especializados (el suplemento Sí de Clarín, MTV, Rolling Stone). Catupecu completa su obra definitiva en el 2000, el disco y especialmente esta canción fueron la revelación de aquel año, y anuncia el comienzo de un siglo en el que el público maduraría  y ya no se conformaría con los mensajes sociales y la directa identificación de los artistas con el público.

Por Cristian G. Rueda // Twitter

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¿Falta alguna canción? ¿Sobra alguna otra? ¿El número uno debió ser otro? Cualquier observación que tengas, te invitamos a comentar.

Ránking: Las 7 mejores canciones que hablan sobre el séptimo arte.

El rock y el cine son dos expresiones de la cultura popular que van de la mano. A continuación ofrecemos un countdown de canciones cinéfilas del rock argentino, es decir canciones que hablan de películas o de algún actor/actriz. No se trata ni de bandas sonoras, ni de canciones que sólo nombren al pasar un film o un personaje. Las canciones elegidas se refieren al séptimo arte o fueron inspiradas por él.

Puesto 7: Mi nombre es Travis – Fabulosos Cadillacs.

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Los Cadillacs relatan en primera persona la historia de Travis Bickle, el personaje de Robert De Niro en Taxi Driver (1976), película ganadora de la Palma de Oro en el festival de Cannes. Martin Scorsese dirigió este film en el que se refleja la soledad de un ex combatiente de Vietnam con sus pensamientos más antisociales. Una historia de violencia explícita, de un director que siempre estuvo emparentado con el movimiento rock, la cual inspiró a Sergio Rotman, saxofonista de la banda, para crear este ska que fue incluido en “El Sátanico Dr. Cadillac” (1989).

 

Puesto 6: Aguas peligrosas – Andrés Calamaro.

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Para su disco quíntuple El salmón (2000), Andrés Calamaro registró Aguas peligrosas, una canción referida a Apocalypse Now (1979). Francis Ford Coppola dirigió esta película basada levemente en la novela de Joseph Conrad, El corazón de las tinieblas, pero ambientada en la guerra de Vietnam. Se convirtió en la película bélica por excelencia y por su belleza visual en una de las más importantes de la historia del cine. No por nada Calamaro decidió hacerla una canción bien al estilo del salmón.

 

Puesto 5: Dos días en la vida – Fito Páez.

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Fito es cineasta (las opiniones de su desempeño en esta rama son otro tópico), así que el hecho de que le dedicara una canción al séptimo arte era de esperarse. Para este tema convocó a Fabiana Cantilo y a Celeste Carballo para que interpreten a las dos protagonistas de esa road movie feminista y pro amistad llamada Thelma & Louise (Ridley Scott, 1991). Esta canción, incluida en el popularísimo álbum “El amor después del amor” (1993), refleja lo que sucede en la película con Fito oficiando de narrador. Páez encontró la forma de resumir en un tema dos de sus grandes amores: las mujeres y las películas. No por nada se ha enamorado de varias actrices (Cecilia Roth y Romina Richi, por ejemplo), y sus filmes suelen tener protagonistas femeninos.

 

Puesto 4: Caminando por el microcentro (EDDA) – Attaque 77.

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En su álbum debut, Dulce navidad, los Attaque incluyeron “Caminando por el microcentro“, una canción dedicada a la bella actriz argentina Edda Bustamante. En la letra, Ciro Pertusi nos cuenta su raid por el microcentro de la capital argentina en busca de algún cine en el cual poder disfrutar sin límites de la belleza de Edda. Edda Bustamante, la destinataria de este punk rock, es una actriz y modelo que tuvo mucho éxito en la década de 1980, sobre todo entre los hombres por sus papeles sensuales, como el de la película de exploitation “Correccional de mujeres” (mencionada en la letra de esta canción). Attaque relata en este clásico el sueño de muchos adolescentes de aquella época que culmina con el mítico grito “¡Edda ven a mí!”.

 

Puesto 3: 1,2 ultraviolento – Los Violadores.

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En este tema punk Los Violadores homenajean a la película “La naranja mecánica” (A Clockwork Orange, 1971) dirigida por Stanley Kubrick y basada en la novela homónima de Anthony Burgess. La historia es un ensayo sobre la naturaleza violenta del ser humano y la reintegración de criminales en la sociedad, que se lleva a cabo en un Londres distópico y los protagonistas son Alex DeLarge (Malcolm McDowell) y sus amigos. Los Violadores logran representar el espìritu de la cinta, al punto de incluir en la letra de la canción gran cantidad de palabras del idioma Nadsat, la lengua ficticia empleada por los personajes de la novela/película. La canción, así como la novela y la película, se convirtió en un clásico.

 

Puesto 2: TV caliente (a.k.a. Virna Lisi) – Sumo.

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Luca Prodan no quería que nos olvidásemos de su actriz italiana favorita: Virna Lisi. La rubia a quien Sumo le dedica esta canción fue una estrella italiana que tuvo su esplendor en la década de 1960, cuando llegó a la meca del cine, Hollywood, y trabajó entre otros con Anthony Quinn, Frank Sinatra y Jack Lemmon. Muchos vieron en ella a la nueva Marylin Monroe. En esta canción, una de las mejores de Sumo y frecuentemente relegada a un segundo plano, se narra cómo Luca, como muchos de nosotros con su actriz favorita, disfruta de la belleza inalcanzable de Virna Lisi, a quien contempla en la pantalla de su televisor. Un dato curioso es que Andrea, el hermano de Luca, trabajó junto a esta actriz en el film I ragazzi di via Panisperna (1988).

 

Puesto 1: ¡Viva Satana! – Babasónicos.

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El cine nos ha dado una inmensa cantidad de íconos sexuales desde su nacimiento a fines del siglo XIX. Algunas estrellas que conocimos gracias al cine exhibían una belleza delicada, otras en cambio ostentaban una belleza exhuberante. A estas últimas pertenecía la actriz Tura Satana, Los hombres se volvían locos por ella en la década del ’60, especialmente por su papel de Varla en el clásico del cine de exploitation “Faster Pussycat!, Kill!, Kill!” (1965). En aquel film dirigido por el célebre Russ Meyer (de quien Tarantino tomó nota para sus trabajos), Tura Satana era la líder de un trío de mujeres que vivían al borde de la ley e intimidaban a los hombres con su violencia. Tanto Russ Meyer, como el film, como Tura Satana se convirtieron rápidamente en símbolos de la cultura pop y Babasónicos, que posee mucho de la estética camp de esa corriente cinematográfica, no quiso pasar por alto la importancia de Satana y decidieron dedicarle una canción. “¡Viva Satana!” fue incluida en Dopádromo (1996) y recrea musicalmente la atmósfera camp, kitsch e incluso épica de los filmes de Meyer. No olvidemos cuán devotos eran los Baba al glam rock sobre todo en sus comienzos; fueron capaces de crear una estética y lenguaje propios, y canciones pop muy transgresoras para una época en que todos alababan a Cobain y al rock barrial.

¡A rockear y a ver cine, amigos! Dos lindas formas de abrir la cabeza. Otras listas en la sección Ránkings del blog: https://alotroladomusic.wordpress.com/category/rankings/

Por Cristian G.R. // Twitter

Mundial Brasil 2014: 10 canciones de rock argentino dedicadas a Maradona.

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En “Al otro lado” seguimos palpitando el inminente mundial de fútbol Brasil 2014, y qué mejor manera de amenizar la espera que con el acompañamiento de buenas canciones de rock. En el siguiente ránking se homenajea a quien fue para muchos el mejor jugador de la historia: Diego Armando Maradona. Un deportista de elite con actitud rockstar, actitud que inspiró a muchas bandas que decidieron dedicarle temas en su honor.

Bonus track 1: Qué es Dios – Las Pastillas del Abuelo (Crisis, 2008).

Link al video

Bonus track 2: Gloria al Diez – Pampa Yakuza (Carnaval para el desconsuelo, 2008).

Link al video

Maradona

 

Puesto 10: Para siempre, Diego – Ratones Paranoicos.

Posicionada en este peldaño sólo por no ser un tema original, sino que consiste en una canción previa de los Ratones con la letra cambiada para homenajear a Diego. La canción original es “Para siempre”, pero fue en ocasión de la despedida del fútbol (tardía) de Diego que los Ratones aggiornaron su letra. En otras circunstancias pelearía el puesto número 1.

Puesto 9: Entregando el corazón (Diego) – Expulsados (Altoparlantes, 2003).

La banda punk Expulsados nos cuenta la película de Diego desde que era niño hasta alcanzar la gloria, mencionando también su caída personal. Maradona es un héroe inesperado, un marginado por una sociedad que luego va a vivir su sueño a través de él, agigantando su condición y destacando su origen. Este tema es una crónica de la vida de Diego, parecido a aquel de Rodrigo.

Puesto 8: Te sigo – Los Calzones (Aconcagua, 1997).

Muchos se preguntan qué sucedió con los Calzones (a. k. a. Los Calzones Rotos). En la actualidad siguen en actividad, para sorpresa de muchos, e incluso llegaron a registrar un tema con Lila Downs como invitada en su último disco. En este ska alimentan el amor incondicional y ciego al ídolo que entregó el corazón, acompañados por un estribillo con destino de cantito de tribuna.

Puesto 7: El francotirador – Attaque 77 (Amén, 1995).

En un país en el que la televisión no hace otra cosa que deprimirnos, un país que se construye ocultándole y mintiéndole a su pueblo, Maradona es el símbolo de la autenticidad. No le miente a su gente y, como si fuera poco, le regala las alegrías más grandes. Attaque nos cuenta su visión de la leyenda maradoniana, el héroe que alegra al pueblo y que todos quieren vapulear.

Puesto 6: Quinto bitle – Flavio y la Mandinga (Cachivache, 2004).

A partir del título de esta canción, Flavio intenta un crossover entre héroes. Une a los cuatro de Liverpool con el 10 de Villa Fiorito; parecen universos paralelos, pero no lo son tanto. Esta lista podría funcionar como fiel testimonio. La canción en sí es también un cruce de géneros: la cumbia y el ska. Y el resultado de tanta combinación es este tema alegre y arengador que Flavio editó en su disco solista Cachivache de 2004.

Puesto 5: Maradona – Andrés Calamaro  (Honestidad brutal, 1999).

Diego agradece “en nombre de Dalma y Giannina” y le da paso a Calamaro, quien se explaya  con su propio homenaje al diez. Diego le regala “la camiseta de Boca” y Andrés, una típica melodía pop de la factoría del Calamaro más auténtico, aquel de “Honestidad brutal”. El tema expresa el cariño mutuo entre el futbolista y el cantautor, y la empatía que todo rocker tiene con el Diego. Lo reconocen como uno de ellos.

Puesto 4: Capitán Pelusa – Los Cafres (Suena la alarma, 1997).

Una vez más, Diego es el Capitán, un ídolo del pueblo que es inocente y sólo quiere divertirse. El artista para el pueblo, ¿hay acaso otra forma de ser artista sino es dignificando tu gente? En el video, el director Gianfranco Quattrini cuenta la historia de un héroe alla Robin Hood, que le roba a la nobleza para el disfrute del pueblo. Una hermosa, inteligente y conmovedora relectura (intento de corte de piernas incluido) de la leyenda del Diego de la gente.

Puesto 3: Maradó – Los Piojos (Tercer arco, 1996).

Andrés Ciro Martínez entona una página que ilustra la faceta más contestaria de Diego, aunque la introducción fraseada se acerca mucho al sentimiento que todo amante del fútbol y del arte siente por Maradona. En la grabación de Ritual, disco en vivo de la banda de El Palomar, el mismo Diez le entregó en mano a Ciro su par de botines. De allí en más cada vez que Los Piojos interpretaba “Maradó”, esos botines colgaban del micrófono del cantante.

Puesto 2: Y dale alegría a mi corazón – Fito Páez (Tercer mundo, 1990).

Con una lírica bastante simple y directa Fito logra conmover hasta la médula, una tarea para nada fácil. Ésta es una canción de ruego y agradecimiento. Posiciona al Diez en el lugar sagrado del altar que recibe los pedidos de un mundo lleno de sombras que ansiamos que se vayan. La estocada final a nuestra emoción se la da el verso en el que entra el Flaco Luis Alberto Spinetta con su grito de “Y dale alegría, alegría a mi corazón”.

Puesto 1: Maradona Blues – Claudio Gabis y Charly García (Convocatoria II, 1997).

Dijo Claudio Gabis sobre el tema: “Charly y yo compusimos “Maradona Blues” espontáneamente el día en que Diego quedó fuera del Mundial (N. de R.: el caso de doping en Estados Unidos ‘94), a eso de las cuatro o cinco de la mañana, llenos de desilusión y tristeza”. García agregó: “Estaba en Madrid y cuando iba para el estudio en el taxi me enteré. Me agarré un bajón… pero… me quería matar, así directamente: me quería matar, y llegué al estudio, era un disco de Claudio Gabis… que estábamos grabando, y todos estábamos así. Y dije: ‘¡Loco, Maradona blues!’. No hubo que hablar nada, ni componerlo, salió así. Maradona Blues es un estado”. Conmovedora historia, conmovedores acordes, conmovedora poesía. Gracias Gabis. Gracias Charly. Gracias Diego. Está permitido lagrimear.

Por Cristian G. Rueda.

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En el año del mundial… 20 canciones de rock argentino que hablan sobre fútbol

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Cada cuatro años sucede un evento que invade todos los ámbitos durante un mes: la copa mundial de fútbol. Este año, nuestros corazones vibrarán con nuestra selección en Brasil 2014. El rock (y Al otro lado) no es inmune a la fiebre mundialista, es por eso que les ofrecemos las mejores canciones de rock argentino que hablan de fútbol.

Nota: las canciones dedicadas a Diego Maradona no están incluidas porque integrarán un futuro ránking, estén atentos.

Puesto 20: Fútbol – Infierno 18 (Malos aires, 2002)

Esta canción apareció en el primer disco de esta banda de punk rock, apoyada en sus inicios por León Gieco. Eran por entonces púberes de 13 años, lo cual es muy destacable y que además explica cierta inocencia en la letra. El tema arranca en el minuto 2:13 del video.

Puesto 19: River Plate – Joaquín Levinton.

Luego del descenso de River Plate a la segunda categoría del fútbol argentino, Joaquín Levinton, ex Turf y actual miembro de Sponsors, decidió que era hora de dedicarle un tema al club del que es hincha. El tema está impregnado del sentimiento agridulce de amar al club y a la vez sufrir por estar viviendo lo peor que le puede pasar a un equipo de fútbol.

Puesto 18: Dame fútbol – Ignacio Copani (Contragolpe, 1997).

Copani es un cantautor popular y como tal le canta a las cosas presentes en el inconsciente de la gente. Le ha dedicado muchas canciones al fútbol (y a River Plate, equipo del cual es simpatizante), de las cuales rescatamos ésta. “Dame fútbol” es precisamente lo que gritamos todos durante cuatro años, a la espera del próximo mundial.

Puesto 17: El Messi as – Coti Sorokin.

Lionel Messi es sin dudas, además del mejor jugador del momento, la gran esperanza de los argentinos para alzar la copa del mundo por tercera vez. Coti, el cantante pop con gran éxito en España y Latinoamérica y estrecho colaborador de Andrés Calamaro, le dedicó esta canción al astro rosarino. Si Maradona es el dios del balompié, Messi es el “hijo del dios fútbol” como dice el también rosarino Coti… ¿a alguien le caben dudas?

Puesto 16: Fútbol – Kapanga (Lima, 2012).

En su último disco, la banda que mezcla rock y ritmos latinos Kapanga incluyó esta canción en la que trazan un paralelo entre las situaciones que se dan en un partido de fútbol y en una relación amorosa. Kapanga es especialista en coros dignos de cancha de fútbol y aquí lo vuelven a dejar en claro.

Puede escucharse en: http://www.goear.com/listen/f92d67e/futbol-kapanga

Puesto 15: La marcha del golazo solitario – Fabulosos Cadillacs (La marcha del golazo solitario, 1999).

Esta experimental marcha de los Cadillacs dio nombre al noveno trabajo en la discografía de la banda. Una marcha algo ortodoxa pero que no deja de lado las influencias ska de una de las agrupaciones más importantes de América Latina. Vicentico grita una proclama que en un año mundialista parece más verdad que nunca: “Nacimos bajo el signo del balón”.

Puesto 14: El 5 en la espalda – Los Twist (Con el 5 en la espalda, 1994).

Antonio Ubaldo Rattín fue un mediocampista que brilló en Boca Juniors y en la selección Argentina. Su historia está íntimamente ligada a los mundiales de fútbol: en Inglaterra ’66, en el sospechoso partido en que Argentina enfrentaba al anfitrión por la segunda ronda del torneo, Rattín fue expulsado por el alemán Kreitlein. Enojado por la sanción se sentó en la alfombra de la reina (sin saber que era la alfombra real) y estrujó una bandera británica. La banda de Pipo Cipolatti, hincha de Boca, le rinde este merecido tributo a un ídolo de la afición boquense y de la selección nacional.

Puesto 13: Domingos – 2 minutos (Novedades, 1999).

El punk barrial/costumbrista de 2 minutos no podía dejar de reflejar una escena tan argentina como los domingos de pasta y fútbol. Los domingos son tal como refleja Mosca: el almuerzo familiar (pasta o asado) y luego, sí, partir a la cancha a alentar a nuestros muchachos. Durante el mundial la escena suele ser toda la familia sentada frente al TV con camisetas, gorritos y banderas. Fútbol y familia, amor puro.

Puesto 12: El rock de La Boca – Ratones Paranoicos.

Otro rockero boquense es Juanse Gutiérrez, voz y guitarra de los Ratones Paranoicos. Los Ratones en 2005, para el centenario de la institución xeneize, grabaron este rock con un riff bien al estilo característico de la banda, y una lírica propia de un cantito de tribuna. Una canción a la altura de las circunstancias y del club homenajeado, el Club Atlético Boca Juniors.

Puesto 11: El héroe de Sevilla – Viejo Smoking (Viejo Smoking, 2011).

Esta canción de Viejo Smoking cuenta la historia de Helmuth Duckadam, arquero del Steaua Bucarest de Rumania, célebre por haber atajado todos los penales en la definición de su equipo con el Barcelona por la final de la Copa de Europa de 1986. Existió la leyenda de que Duckadam debió dejar momentáneamente el fútbol porque la policía del régimen del dictador Ceacescu le había quebrado las manos, aunque el mismo guardametas se encargó de desmentirlo. Hace poco el grupo Viejo Smoking editó una obra conceptual sobre fútbol llamada “Golazo”.

Puesto 10: No es posible un mundo mejor con árbitros bomberos – La Guardia Hereje (Tangos y otras yerbas, 2005).

Nos permitimos incluir una banda de tangos porque valen la pena. El Gordo Alorsa era la voz cantante de La Guardia Hereje, en el año 2009 falleció luego de una enfermedad cardíaca. Dejó varios tangos, milongas y candombes referidos al fútbol. Este tema es una protesta sentida, sincera y respetuosa a uno de esos referís que por su impericia destruyen los sueños de jugadores e hinchas con una decisión mal tomada. Imposible no conmoverse con los versos de Alorsa. Y ojalá que los árbitros mundialistas no se equivoquen tan feo como éste del relato (¿acaso será Codesal?).

Puesto 9: Marcha oficial de Rosario Central – Juan Carlos Baglietto.

Rosario Central es el cuadro con el que simpatizaban, y simpatizan, célebres personalidades de la ciudad de Rosario: El Che Guevara, Alberto Olmedo, el padre Ignacio Peries, Fito Páez, Roberto Fontanarrosa… y Juan Carlos Baglietto. Este último se encargó de grabar una versión moderna de la Marcha oficial de la institución rosarina, la cual fue compuesta por Laerte Carroll el día 29 de abril de 1945. Solemne pero rockera.

Puesto 8: El hincha – Tren Loco (Carne viva, 2000).

El metal se hace presente en el listado. Esta banda de larga trayectoria hace un homenaje a los aficionados, que no son sólo espectadores. En ocasiones logran levantar a su equipo con su aliento interminable. La canción incluye a modo de introducción las emblemáticas líneas de la película “El hincha”, clásico del cine argentino dirigido y protagonizado por Enrique Santos Discépolo.

Puesto 7: Hay fiesta (Boquita) – Xaga (Chapa, 2000).

La prometedora banda de Tapiales compuso esta obra dedicada a Boca Juniors (¡otra más!). Este grupo ya inexistente prometía bastante, hicieron una gira promocional de su disco “Chapa” que los llevó incluso a presentarse en una de las primeras ediciones del festival Cosquín Rock. Este rocanrol simple y efectivo, es prueba de que rockeros xeneizes tenían mucho para dar.

Puesto 6: El baile de la gambeta – Bersuit Vergarabat (La argentinidad al palo, 2004).

Hay quienes dicen que uno juega al fútbol como vive. Esta cumbia de Bersuit tiene mucho de esa frase. Es muy probable que haya sido pensada para Diego Maradona: habla de Ricardo Enrique Bochini, el Bocha, ídolo de la infancia de Maradona, y bueno, eso de “gambetear para ahuyentar la muerte” Diego lo viene haciendo desde niño. Es que el fútbol en ocasiones es el vehículo para que sobrevivan aquellos desafortunados que no tienen otra esperanza más que la del balón, uno de ésos fue Diego.

Puesto 5: Arde la ciudad – Mancha de Rolando (Viaje, 2004).

Al ser el fútbol tan popular, los poderosos tratan de utilizarlo para controlar a las masas. Esta historia es la que cuenta la canción de la Mancha de Rolando. El gobierno dictatorial argentino que tomó el poder en 1976 utilizó el mundial ‘78 para tapar los crímenes que cometían sistemáticamente. Mucha gente ignoraba lo que sucedía, enceguecida por el logro deportivo. Mientras en el estadio Monumental miles de argentino festejaban el campeonato mundial, a escasos metros en el centro clandestino de detención de la ESMA, otros compatriotas eran torturados y asesinados. La canción expone a aquel país contradictorio de 1978.

Puesto 4: Adicción – Memphis La Blusera (Hoy es hoy, 1998).

Una canción de amor al fútbol que en el estribillo le habla a una mujer advirtiéndole que a ellas también las queremos pero que el fútbol es “adicción”. Memphis se despacha con un rock and roll con un swing imposible de resistir, eso combinado con una lírica y coros que despiertan al más antagonista del fútbol. Los sentimientos del hincha están volcados en esta obra que es ideal para explicarles a nuestras chicas que las queremos pero que durante el mundial no van a tener nuestra atención por completo.

Puesto 3: Sola en la cancha – Attaque 77 (Dulce navidad, 1989).

El sueño de los chicos es que nuestra novia sea tan fanática del balompié como nosotros. Attaque nos canta en este tema de su debut discográfico sobre una chica de ensueño que nadie puede alcanzar, que su amor lo entrega al fútbol. En los estadios siempre hay una chica hincha de nuestro club que destila belleza y amor por los colores del club; porque nos enamoramos en los recitales pero también en los partidos. Con ese “Dale Bo…, dale Bo…, dale Bo…”, los integrantes de la emblemática banda punk argentina, además de dejar bien en claro que son boquenses de ley, nos regalan un cantito de tribuna adorable, que en los recitales corearon hasta hinchas de otros equipos. Attaque 77 lo hizo posible.

Puesto 2: Toco y me voy – Bersuit Vergarabat (Hijos de culo, 2000).

Esta hermosa canción de Bersuit es un llamado a que nunca se muera el espíritu amateur de este bello deporte que es el fútbol. Poner la camiseta, los colores, la gente, los ideales, el buen juego por sobre otros intereses. Muchos jugadores profesionales se verán reflejados en ella, pero lo que es seguro es que todos los que aspiramos a jugar alguna vez en un gran estadio y jugamos los partidos en el barrio con tanta pasión, la sentiremos el doble. Este es un himno para el futbolero de corazón.

Puesto 1: Campeón mundial – Superuva (Un poco de lío, 1995).

En lo más alto, en la cima… ¡Campeón mundial! Superuva, célebre banda punk de Valentín Alsina, nos regalan un recuento de obstáculos sorteados para coronarse como los mejores. Podría decirse que todas las vicisitudes con las que una selección pueda chocarse en la cita mundialista están aquí. Campeón mundial es el puesto número 1 porque es la ilusión más grande de todos los apasionados por el fútbol. Todos queremos ver a nuestro capitán levantar el trofeo, dar la vuelta olímpica y que nuestra bandera flamee más arriba que todas las demás… ¡aunque tengamos que ganar por penales todos los partidos!

Así que muchachos, disfrutemos de Brasil 2014 con toda nuestra pasión y con mucho rock.  A nuestras selecciones les pedimos que cuando no puedan con fútbol que rockeen a los rivales. ¿Te gustó el ránking? ¿Te parece que faltó alguna canción? ¿Te parece injusto algún puesto? ¡Comentá que queremos leerte, amigo rocker!

Por Cristian Germán Rueda – Blog personal / Twitter

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Ranking: 5 canciones de Navidad

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¿Querés rockear incluso en Navidad? Ya se acerca la fiesta de Navidad, entonces nos decidimos a armar un listado con canciones de rock argentino que aborden esta temática. Costó encontrar pero hallamos varias muy buenas. Vas a encontrar el éxtasis navideño abordado desde un punto de vista quizás no tan feliz en la mayoría de los temas. Aquí van:

Puesto 5: Noches buenas – Él mató a un policía motorizado (Navidad de reserva, 2005)

Él mató a un policía motorizado es una banda indie que tuvo mucho protagonismo en los últimos años, lo cual le valió el reconocimiento de la industria. En el año 2005 editaron un EP llamado “Navidad de reserva”, en el cual se incluyen siete canciones navideñas interpretadas desde el particular punto de vista de la banda platense. De todas ésas, elegimos ésta, “Noches buenas”.

Puesto 4: Papá llegó borracho (Navidad) – Attaque 77 (Dulce navidad, 1989)

Perteneciente al primer álbum de la banda, “Papá llegó borracho” es algo así como la versión local de Merry Christmas de The Ramones. Una navidad punk: la canción cuenta las cosas por las cuales NO deberías estar tan contento durante las fiestas. Otros temas pertenecientes a este disco son: Hay una bomba en el colegio, Sola en la cancha, Caminando por el microcentro… todos hits.

Puesto 3: La navidad de Luis – León Gieco (Siete años, 1980)

En esta canción, el trovador santafesino nos hace tomar conciencia de las desigualdades y nos deja en claro que no todos son felices en el dia de Navidad. La historia de Luis es la historia de muchos niños de Latinoamérica que no les queda otra que mirar la Navidad desde afuera. Luis nos regala una frase memorable: “Mi padre me dará algo mejor, el me dirá que Jesús es como yo”.

Puesto 2: Villancico del horror – Divididos (Vengo del placard de otro, 2002)

En el año 2001 la Argentina vivió una de las peores crisis institucionales y sociales de la historia… y todo explotó un 20 de diciembre. Por ende esas fiestas no fueron precisamente las más felices para la gente. Divididos compuso este anti-villancico en ese contexto. La canción describe con crudeza una situación de total desesperanza e incertidumbre que experimentaba el pueblo. “Vengo del placard de otro” en su totalidad, a decir verdad, funciona como una crónica perfecta de esos días, recordar otros títulos sugestivos de aquel trabajo discográfico como “Un alegre en este infierno”, “Ay, qué dios boludo” y “Casitas inundadas, a votar”.

Puesto 1: Noche de paz – Sumo (After chabón, 1987)

Para terminar y poder festejar también en Navidad, compartimos el puesto número uno: la versión punk de Noche de paz por Sumo. Claramente la versión definitiva de este villancico. Cantada en tres diferentes idiomas (alemán, castellano e inglés) esta versión puede levantar a un muerto. Luca siempre nos hace sonreír desde dondequiera que esté.

¡Y felices fiestas desde “Al otro lado”!

Por Cristian G. R. https://twitter.com/cgrcatupe

A 12 años del último show: los 12 mejores temas de los Redondos

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Las 45.000 almas que estaban presentes ese 4 de agosto de 2001 en el estadio Chateau Carreras de Córdoba y que latieron ante cada solo de Skay y cada grito de arenga del Indio, no tenían noción de que estaban ante un show histórico. Un show que otros muchos miles desearían haber presenciado: la última misa ricotera. Demás está decir que hubo antes y un después de la existencia de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en la cultura argentina. La influencia gigante de esta banda se ve reflejada en tantos jóvenes y adolescentes que aunque nunca hayan visto un show de sus ídolos siguen ese legado musical e ideológico dejado por la banda más importante del rock argentino. A modo de homenaje elegimos los 12 temas que merecen ser catalogados como los mejores. Sí, dejamos afuera tantas canciones que son súper destacables pero los rankings son así. ¡A disentir que es gratis!

Puesto 12: Esa estrella era mi lujo (Bang! bang!… estás liquidado!, 1989).

Un blues que concentra el ideario ricotero. La creencia/descreimiento en una estrella guía, la ilusión que se deposita en ella cuando hay tempestades. ¿El rocanrol es acaso ésta, nuestra estrella? Canción responsable de que la frase “Mi único héroe en este lío” se instalara en el inconsciente rocker para siempre.

Puesto 11:  Mariposa pontiac/Rock del país (Luzbelito, 1996).

Si bien su edición definitiva en formato disco ocurrió en 1996, esta es una antiquísima creación del Indio y Skay que data de fines de los ’70 y que, de hecho, fue editada en un single de 1982. Está compuesta de dos mitades, dos rocanroles potentes: por un lado Mariposa pontiac, y para terminar, Rock del país. Fue un hit instantáneo.

Puesto 10: Queso ruso (La mosca y la sopa, 1991).

Abierta declaración de disenso contra el imperialismo (norte)americano y la “American way of life“. Solari expresa una de sus letras más directas y cargadas de ironía, el tópico en cuestión lo merecía. Lamentablemente, esta canción no perdió, ni posiblemente nunca pierda, actualidad. Puede ser banda sonora de más de un momento histórico de la humanidad.

Puesto 9: Rock para el Negro Atila (Lobo suelto, 1993).

El destinatario de este tema parece ser algún personaje nocturno conocido por los miembros de la banda. Los vaivenes propios del mundo de la noche se describen en los versos: el robo a mano armada (“huir como ladrón”, “apretar en tu bolsillo el metálico brillo”), el consumo de sustancias ilegales (“lunático, blanco”). El Indio nos entrega una de sus interpretaciones más sentidamente rockeras.

Puesto 8: Vencedores vencidos (Un baión para el ojo idiota, 1988).

Canción de arenga pero a la vez oscura. Vencedores vencidos parece aludir a un victimario convertido en víctima. “Ni vencedores ni vencidos” es una frase atribuida a Eduardo Lonardi, presidente de facto argentino luego del golpe cívico militar de 1955. Vencedores vencidos puede interpretarse como una respuesta hacia aquella polémica declaración. La historia de un país eternamente dividido entre sí, no sólo a nivel ideologías políticas, parece sintetizarse en este crudo y alegre rocanrol.

Puesto 7: Todo un palo (Un baión para el ojo idiota, 1988).

Sentido himno ricotero. La decepción, inevitabilidad y necesidad de acción de un futuro que ya está entre nosotros es parte de él. “El futuro es duro y ya llegó, no lo esperes: actuá” parece decirnos Solari en esta larga composición de más de 7 minutos. El solo de Skay acorde con la emotividad de la canción. Una vez más, Patricio Rey instala frases graffiteras en el inconsciente colectivo.

Puesto 6: Yo caníbal (Cordero atado, 1993).

Antropófago hit que abre el volumen 2 del álbum doble “Lobo suelto/Cordero atado”. Las metáforas gastronómicas referidas al canibalismo, la sangre y los cadáveres pueden concebirse como una crítica a un sistema que nos obliga a comernos unos a otros, un eterno vaivén que nos tiene en ocasiones como caníbales devoradores y, en otras, como tiernos corderos.

Puesto 5: Etiqueta negra (Cordero atado, 1993).

Una emotiva interpretación de Skay en la guitarra acompaña al Indio en esta poesía mortuoria. El guitar hero redondo hace lo imposible por conmover a la audiencia con sus rasgueos y el solo del final. Uno de los temas más movilizantes artística y emocionalmente del tándem Solari/Beilinson.

Puesto 4: Juguetes perdidos (Luzbelito, 1996).

La épica se hace presente en el cancionero ricotero con esta canción perteneciente a Luzbelito, y compuesta por el Indio y Skay. Describe un corazón que es atravesado por los colores rojo, negro y blanco de una bandera (¿colores asociados al comunismo?). Un imperativo llamado a la acción, tanto que es usado por la Presidente Cristina Fernández en actos oficiales como guiño a la juventud militante que agita sus banderas.

Puesto 3: El pibe de los astilleros (La mosca y la sopa, 1991).

Skay ejecuta uno de sus riffs más festejados por sus seguidores en este tema, track 7 de La mosca y la sopa, Con El pibe los astilleros, el Indio Solari vuelve a instalar una frase en el inconsciente colectivo, frase que luego sería reproducida hasta el hartazgo en las redes sociales: “Las minitas aman los payasos y la pasta de campeón”. Incuestionable hit para cualquier fan de los Redondos… como todas las canciones, en realidad.

Puesto 2: Un ángel para tu soledad (Lobo suelto, 1993).

Si hay algo que no se le puede cuestionar a los Redondos es su capacidad para llegar bien adentro de un ser humano y conmoverlo hasta lo imposible. Es muy difícil que un tema de esta banda no te genere nada en tu interior, ya sea desde lo musical o desde lo lírico. “Un ángel para tu soledad” no es la excepción, es más, quizás sea el más claro ejemplo de esa característica. Esta es una de las grandes obras maestras de Patricio Rey, para cantar a gritos eso de “soledad”, “desolación”, “ilusión”, esos sentimientos que pegan tan de frente cuando los canta Solari.

Puesto 1: Jijiji (Oktubre, 1986).

Cantado puesto número uno. Jijiji es definido por muchos críticos. músicos y especialistas como el mayor hit del rock argentino. Cuando los Redondos tocaban esta canción en vivo se generaba lo que el Indio llamó “el pogo más grande del mundo”. y llevaba mucha razón. Citamos al mismo Solari que se refirió en un número de la revista Rolling Stone a la atmósfera macabra de la canción de esta manera: “Para mí es un poco la paranoia de la droga. No lo llamaría de la experiencia con las drogas -que en este caso tiene otra pretensión- sino que está hablando simplemente de cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación.” Escuchar Jijiji es una invitación al pogo. ¡Chernobyl, Chernobyl!

¿Estás de acuerdo con el listado? ¿Te parece inconcebible haber dejado afuera a tal o cual tema? ¿La número x debía estar más arriba? Para eso son los rankings, te invitamos a comentar con tu opinión. Abrazo ricotero y… “Sólo te pido que se vuelvan a juntar!”.

Por Cristian G.R. https://twitter.com/cgrcatupe